Markus Bohnert è un artista tedesco che utilizza antiche tecniche di ripresa e stampa per ritrarre mondi surreali in un teatro in miniatura. Ci ha raccontato il suo modo di concepire l'arte e quali tecniche fotografiche utilizza per le sue creazioni.
Mi chiamo Markus Bohnert, nato nel 1966 in Germania, attualmente vivo con la mia famiglia in una piccola città vicino a Strasburgo. Lavorare come artista è una parte importante della mia vita e un prezioso contraltare alla mia vita lavorativa.
Ho iniziato con semplici schizzi a carboncino, ma presto ho scoperto che la fotografia, in particolare utilizzando tecniche alternative e sperimentali, era il mio mezzo preferito per esprimermi come artista.
Gran parte del mio lavoro è influenzato dal surrealismo, che è la forma d'arte con cui riesco a identificarmi di più.
Il mio lavoro è stato esposto in diverse gallerie e mostre collettive come ad esempio l'International Contemporary Art o la "Fotobiennale".
Cosa rappresenta l'arte per te e per la tua vita, e in che modo è legata alla fotografia? La fotografia per te è uno strumento per rappresentare il mondo esterno, una realtà interiore o piuttosto per trascendere la realtà evocando archetipi e dimensioni del sogno?
Per me l'arte significa creare qualcosa tutto da solo. Affrontare la libertà e creare qualcosa che non abbia precedenti in modo giocoso.
Voglio creare spazi per comunicare ed esprimere sentimenti, pensieri e mondi immaginari. Dare spazio al mio segreto personale. Con questo intendo immagini che rappresentano uno specchio appannato, in cui l'osservatore abbia la possibilità di immaginare il proprio personale segreto.
Le antiche tecniche di stampa e gli strumenti analogici sembrano essere parte integrante del tuo linguaggio artistico. Quale ruolo gioca l'aspetto tecnico nel trasmettere il messaggio e perché hai fatto questa scelta?
La fotografia analogica per me offre il modo più adatto per creare immagini in modo relativamente non regolamentato, rappresentando la propria anima individuale alla fine.
È il tocco imperfetto e morboso dell'emulsione sensibile alla luce applicata a mano che supporta la stampa del mio lavoro.
Come è iniziata la tua carriera artistica e qual è stato il tuo primo approccio alle antiche tecniche di stampa? Continui ad aggiornare le tue conoscenze studiando tecniche antiche?
Visualizzare il mio io interiore e le cose con cui ho a che fare tutto il giorno è sempre stato molto importante per me.
Ho iniziato a fare schizzi di carbone simili a un diario fino a realizzare serie fotografiche su pellicola di medio formato ingrandite su carta baritata. Negli anni dell'avvento del digitale ho deciso di utilizzare tecniche alternative. A quei tempi, ho creato immagini stampate con diversi processi fotografici.
Dopo aver usato la stampa a sale, il cianotipo, le stampe van dyke color cioccolato, mi sono trovato ad utilizzare una macchina fotografica istantanea. Questo materiale offre un enorme potenziale creativo, se lo trattate meccanicamente o lo ricoprite con gommalacca o altri smalti.
Quali tecniche fanno parte della tua cassetta degli attrezzi? Doppie esposizioni, collage, maschere durante la stampa? Usi anche strumenti digitali se necessario?
Alcuni dei miei lavori sono catturati in una sorta di teatro in miniatura.
Ho organizzato figure ritagliate combinate con altre miniature e le ho scattate una foto con una vecchia macchina fotografica 13x18 o una macchina fotografica a foro stenopeico fabbricata artigianalmente.
Per la digitalizzazione, utilizzo una semplice fotocamera digitale mirrorless. Aiuta molto a usare le moderne tecniche digitali al fine di produrre negativi di grandi dimensioni per i processi fotografici.
Utilizzi anche materiale vintage, supporti antichi, macchine fotografiche o obiettivi? Alcune delle tue foto su Instagram mostrano "Aufnahme mit Lochkamera auf Sofortbildfilm ..." (Registrazione con fotocamera stenopeica su film istantaneo), ma l'hashtag riporta "#petzvallens": come sono correlate le due cose?
Principalmente, sto lavorando con un obiettivo Petzval piuttosto antico riprendendo il teatro in miniatura. L'obiettivo combinato con un grande formato cinematografico genera un meraviglioso effetto bokeh nelle aree sfocate della foto.
Catturando un soggetto che richiede una grande profondità di campo, di solito utilizzo fotocamere a foro stenopeico realizzate artigianalmente.
Come gestisci l'archivio delle tue opere e dei tuoi negativi? Consideri l'archiviazione di un aspetto importante del tuo lavoro?
Dato che offro il mio lavoro in vendita, ovviamente, le mie foto sono adeguatamente lavate e fissate.
Stampe di alta qualità sono inoltre rivestite con una vernice finale.
Il modo migliore per archiviare è trovare un posto per le mie opere in cui possano diffondere gioia e ispirare le persone. Parlando in parole poetiche, dovrebbero essere come semi volanti, non sono destinati ad ogni luogo, ma che atterrando nel punto giusto possono creare nuova vita.
In che modo la nostalgia del passato influenza il tuo presente e la tua visione artistica?
Per quanto riguarda la composizione dell'immagine, sto lavorando deliberatamente con dispositivi dall'aspetto nostalgico. Immagini monocromatiche con il soggetto al centro dell'inquadratura, con una nitidezza dell'immagine molto ridotta. Mi piacciono ridotti all'essenziale senza dettagli che distraggono.
Per me avere una visione artistica significa avere una prospettiva del percorso che inizia nel presente e porta a un futuro abbinato a una migliore comprensione del passato. Come artista, mi sento obbligato a imparare dalla storia. Le mie foto potrebbero quindi essere viste come uno specchio che ispira le persone e le incoraggia a riflettere.
Quali pensi che siano gli obiettivi dell'arte in generale e le tue opere in particolare? Dove ti piacerebbe vedere le tue foto visualizzate oggi, tra dieci o cento anni?
Per me l'arte è un campo ampio e senza vincoli che offre un terreno fertile per vari tipi di piante.
È come un colorato giardino fiorito da cui puoi prendere lezioni e realizzare la bellezza individuale. A mio avviso, l'arte offensiva e scomoda è molto importante.
Le opere d'arte dovrebbero funzionare come membrane che trasferiscono all'esterno le vibrazioni interiori, per renderle udibili. Suoni, mai ascoltati prima, che toccano il nostro io interiore.
Quali artisti rappresentano un riferimento per il tuo lavoro e quali consiglieresti di approfondire?
Penso che non ci dovrebbe essere troppo spazio per il confronto nell'arte. Sono rimasto molto colpito da John Heartfield.
Con i suoi fotomontaggi provocatori sta dando l'esempio a chi desidera essere coraggioso ed imporsi con una dichiarazione che sia rilevante nel mondo di oggi.
Jessica Ferguson è un'artista che mi delizia regolarmente. È abile nel realizzare opere misteriose e sbalorditive usando tecniche alternative.
Hai mai sognato le tue opere? Se sì, succede prima o dopo i tuoi lavori?
Alcune delle mie opere nascono come sogni ad occhi aperti, in cui vedo frammenti pittorici. Non appena si verificano, li copio in uno schizzo per sviluppare il progetto in seguito.
Working as an artist is an important part of my life and a precious counter pole to my work life.
I started with simple carbon sketches, but soon I discovered that photography, especially using alternative and experimental techniques, was my favorite medium to express myself as an artist. Most of my work is affected by surrealism, which is the art form I can identify with the most. My work was exhibited in different galleries and group exhibitions as for example the International Contemporary Art or the “Fotobiennale“.
What does art represent for you and your life, and how is it related to photography? Is photography for you a tool to represent the external world, an inner reality or rather to transcend reality evoking archetypes and dream dimensions?
To me art means to create something all by myself. Facing freedom and creating something unprecedented in a playful manner.
I want to create spaces to communicate and express feelings, thoughts and imaginations.
To provide room for my own individual personal secret.
With that I mean pictures showing a cloudy mirror, in which the observer finds the chance to imagine his very own secret.
The ancient printing techniques and analogical instruments seem to be an integral part of your artistic language. What role does the technical aspect play in conveying the message, and why did you make this choice?
Analogue photography to me offers the most fitting way to create images in a relatively unregulated manner, representing its individual soul in the end.
It is the imperfect, morbid touch of the applied light-sensitive emulsion which supports the impression of my work.
How did your artistic career begin, and what was your first approach to ancient printing techniques? Do you continue to update your knowledge studying ancient techniques?
Visualizing my inner self and the things I’m dealing with all day was always very important to me.
I started doing diary-like carbon sketches until making photographic series on medium format film enlarged to baryta paper.
In the years of digitalization, I decided to use alternative techniques. During those times, I created pictures printed with different photographic processes.
After using salt print, cyanotype, chocolate brown van dyke prints, I found myself with an instant camera. This material offers an enormous potential of design, if you treat it mechanically or coat it with shellac or other glazes.
What techniques are part of your toolbox? Double exposures, collages, masks during printing? Do you also use digital tools if necessary?
Some of my works are captured in some kind of miniature theater.
I arranged cut out figures combined with other miniatures and took a photo of them with an old 13x18 portrait camera or an individual manufactured pinhole camera.
For digitization, I use a simple digital mirrorless camera.
It helps a lot to use modern digital techniques in order to produce large-sized negatives for photographic processes.
Do you also use vintage material, ancient media, cameras or lenses? Some of your photos on Instagram show "Aufnahme mit Lochkamera auf Sofortbildfilm ..." (Recording with pinhole camera on instant film), but the hashtag reports "#petzvallens”: how are the two things related?
Mostly, I am working with a quite old Petzval lens capturing the miniature theater. The lens combined with a large film format generates beautiful bokeh in the out-of-focus areas of the photo.
Capturing a subject requiring width and a large depth of field, I usually use individual manufactured pinhole cameras.
How do you manage the archive of your works and your negatives? Do you consider archiving an important aspect of your work?
As I offer my work for sale, obviously, my pictures are properly watered and fixed.
High-quality prints are additionally coated with a final varnish.
The best way to archive is finding a place for my artworks where they can spread joy and inspire people.
Speaking in poetic words, they should be like flying seeds, not destined for every place but landing on a right spot, they may create new life.
How does nostalgia for the past affect your present and your artistic vision?
Regarding image composition I'm working very deliberately with nostalgically seeming devices. Monochrome pictures with centered image content with a very little image sharpness.
I like them reduced to the essential without any distracting details.
To me vision means having an outlook to the path starting in the present and leading to a future paired with a better understanding of the past. As an artist, I especially feel obliged to learn from history. My pictures could thus be seen as a mirror inspiring people and encouraging them to reflect.
What do you think the aims of art in general and your work should be in particular? Where would you like to see your photos displayed today, in ten years or a hundred years?
To me, art is a large and unconstrained field that offers a breeding ground for various types of plants.
It’s like a colorful blooming garden you can take lessons from and realize the individual beauty.
In my opinion, offensive and generally unaccommodating art is very important.
Artworks should work like membranes transferring inner vibrations to the other side in order to make them audible. Sounds, never been heard before, touching our inner self.
Which artists represent a reference for your work, and which ones would you recommend to go into?
I think there shouldn't be too much room for comparison in art.
I'm well impressed by John Heartfield.
He's setting an example with his provocative and awakening photomontages to be brave and make a statement which is particularly relevant today.
Jessica Ferguson is an artist delighting me on a regular basis. She's proficient in realizing mysterious and stunning works using alternative techniques.
Do you ever dream of your works? If yes, it happens before or after your works?
Some of my works arise whilst daydreaming as pictorial fragments. As soon as they occur, I would copy them as a sketch and develop them later.
